Поленов картины

Картина «Бабушкин сад», Василий Поленов — описание

Бабушкин сад — Василий Дмитриевич Поленов. 1878. Холст, масло. 54,7 x 65 см
Грусть по уходящим в историю «дворянским гнёздам» можно заметить во многих произведениях конца XIX – начала XX века. Достаточно вспомнить «Вишнёвый сад» А.П. Чехова. Наиболее пронзительный шедевр в живописи с подобной тематикой был создан Василием Поленовым в 1878 году, и это «Бабушкин сад».
Поленов ещё застал цветение «дворянских гнёзд» — он часто гостил в имении своей бабушки в Ольшанке Тамбовской губернии и искренне восхищался этим местом. Задумав картину, художник, в первую очередь, хотел воплотить философскую мысль, и это ему успешно удалось. Уходящая эпоха, смена поколений, обновление и постепенное болезненное исчезновение старого уклада – вот основные лейтмотивы картины.
Работа написана в жанре «пейзажа настроения» — личной находке мастера. Поленов предпочитал не ставить в своих работах острых социальных вопросов, не нагнетать обстановку, он констатировал определённое настроение, демонстрировал сюжет, спокойно, просто и красноречиво.
На картине зритель видит старый типичный дворянский особняк – такими строениями застраивалась вся Москва с пригородами после пожара 1812 года. Дома эти были деревянными, но характерные колонны и толстый слой штукатурки должен был создать иллюзию основательного каменного строения. Зритель видит как низ такой вот «бутафорской колонны» облупился, обнажив деревянную кладку.
Изящный фронтон здания говорит о высоком вкусе и классической архитектуре, но в этот же самый момент глаза замечают облупившуюся и обсыпавшуюся лепнину, ржавый карниз, свидетельствующие о заброшенности некогда прекрасного дома.
Разросшийся прекрасный сад, когда-то был регулярным, но сейчас это своевольная зелень, которую давно не подстригали, оттого и вся пейзажная декорация выглядит запущено.
На переднем плане главные героини – скрюченная старуха в старомодном чепце и молодая внучка в модном платье. Яркое сопоставление старого и нового. Бабушка выглядит также дряхло, как и её дом – облупившиеся стены особняка можно сравнить с крючковатой фигурой пожилой героини.
Цветовое решение картины по-настоящему прекрасно и красочно. Ещё после первой выставки В. Стасов, настороженно относящийся к Поленову, хвалил «Бабушкин сад» за свежесть цветового колорита. И действительно, буйство зелени, яркие солнечные блики, жёлтая дорожка, голубое небо – всё это представляет сюжет очень реалистично и детально.
Глядя на выщербленные ступени высокой лестницы, легко можно пофантазировать, сколько изящных туфелек взлетало по этому крыльцу, аккуратно пересекая дорожку и разглядывая прекрасный ухоженный сад. Здесь, наверное, были очень счастливы, любили, страдали, смеялись – здесь кипела жизнь. Однако сегодня, всё окружающее лишь эхо давнего праздника жизни. Уходит эпоха богатых имений, уступая место новому жизненному укладу, а разрушающим дворянским гнёздам остаётся лишь провожать своих старух и хранить в закоулках отзвуки шумных дней, гула человеческих голосов, цокота копыт, подъезжающих к крыльцу экипажей.

Художник, который рисовал свет: А.И. Куинджи

Куинджи Архип Иванович.
Годы жизни: 27 января 1841 — 24 июля 1910.
Слава пришла к Архипу Куинджи не сразу: Айвазовский не брал его в ученики, Академия художеств не принимала даже в вольнослушатели. Однако он стал одним из самых известных художников эпохи, его полотна покупали коллекционеры и члены императорской семьи, а на выставках выстраивались очереди.

Мое знакомство с этим художником случилось в Крыму, где в экспозиции картинной галлереи Воронцовского дворца выставлена картина его кисти «Христос в Гефсиманском саду».

Энергия этого полотна была настолько велика, что спокойно реагировать на него мало у кого получается. Толпа туристов затихает, даже дыхания не слышно, лишь раздаются робкие всхлипы и тихие рыдания. Равнодушных не бывает. К слову сказать, это не первое виденное мной живописное произведение, но первое и, пока, единственное, произведшее такое впечатление.

«Сделайте так, чтобы иначе и сделать не могли, тогда поверят».
Куинджи А.И.

И я поверила! И все поверили! Поверили в Свет!
А ведь биография Куинджи не менее удивительна, чем его произведения. Отличный пример целеустремленности и веры.
Рано осиротевший сын сапожника, он приехал в Петербург с пустыми карманами и стал к 40 годам миллионером. Провинциал-самоучка, над чьей техникой рисования потешались столичные снобы, довольно быстро завоевал славу главного русского пейзажиста. У Куинджи была железная хватка. Если он видел цель, то не останавливался, пока не добивался своего: по выражению Репина, «буравил землю насквозь». Пожалуй, за всю свою жизнь он проиграл лишь одно сражение — с мироустройством. Безнадежный идеалист Куинджи верил, что мир можно сделать лучше. И не жалел ради этой утопической задачи ни денег, ни времени, ни здоровья.
Архип Иванович Куинджи родился на окраине Мариуполя в семье грека, бедного сапожника. Фамилия Куинджи была дана ему по прозвищу деда, что по-татарски означает «золотых дел мастер». Рано осиротев, мальчик жил у родственников, работал у чужих людей: был слугой у хлеботорговца, служил у подрядчика, работал ретушером у фотографа.
Основы грамоты Куинджи получил от знакомого учителя грека, а затем занимался в городской школе. Любовь к рисованию проявилась у него в детстве, он рисовал везде, где приходилось — на стенах домов, заборах, обрывках бумаги.
Говорят, первая персональная выставка Куинджи состоялась, когда ему исполнилось 11. Архип работал на строительстве церкви и некоторое время жил на кухне своего нанимателя. Само собой, стены кухни были сплошь расписаны углем. Хозяева не возражали и даже приглашали «на вернисаж» соседей. Публике также были представлены гроссбухи и книжки по приемке кирпича, изрисованные юным дарованием вдоль и поперек. Особым успехом пользовался портрет местного церковного старосты. С тех пор все жители поселка (кроме, разумеется, церковного старосты) раскланивались с парнишкой, как со знаменитостью.

«Для того, чтобы стать хорошим художником, надо даже спать с альбомом и карандашом».
Куинджи А.И.

В 15 лет Куинджи устроился прислуживать в дом зажиточного хлеботорговца, и тот, заметив его страсть к рисованию, посоветовал ехать в Феодосию к самому Айвазовскому. Слухи об отзывчивости мэтра оказались преувеличенными: учить Куинджи он отказался. Впрочем, Айвазовский доверил ему покрасить свой забор. С таким резюме, не сомневался Куинджи, ему одна дорога — в Петербургскую Академию художеств.
Но не сразу ему удалось стать учеником Академии: слабой оказалась художественная подготовка. Он дважды держал экзамены и оба раза безрезультатно. Но это не могло остановить упорного и настойчивого юношу. В 1868 году на академическую выставку он представил картину «Татарская сакля», за которую получил звание неклассного художника, от которого Куинджи отказался, попросив взамен разрешения быть вольнослушателем. Так в 1868 году 28-летний художник, наконец, был зачислен вольнослушателем в Академию.

«Искусство — не игра для развлечения. Играть с искусством — тяжелый грех!»
Куинджи А.И.

Куинджи окунулся в атмосферу художественной жизни. Он дружит с И.Е.Репиным и В.М.Васнецовым, знакомится с И.Н.Крамским — идеологом передовых русских художников. Лиричность пейзажей Саврасова, поэтическое восприятие природы в картинах Васильева, эпичность полотен Шишкина — все открывается перед внимательным взглядом молодого художника.

«Картину следует писать от себя, наизусть, на основании знаний, приобретенных на этюде. В картине должно быть «внутреннее», то есть мысль, художественное содержание».
Куинджи А.И.

Куинджи начинает искать самостоятельные пути в искусстве. Созданная им в 1872 году картина «Осенняя распутица» своей реалистической направленностью была близка картинам художников-передвижников, к обществу которых он примкнул.

Лето 1872 года Куинджи провел на Ладожском озере, на острове Валаам. В результате появилась картина: «Ладожское озеро» (1872).

Неторопливо, спокойно ведет художник в своих картинах повествование о природе острова, с его гранитными берегами, омываемыми протоками, с темными густыми лесами, упавшими деревьями. Эту картину можно сопоставить с былинным эпосом, живописным сказанием о могучей северной стороне. Серебристо-голубоватый тон картины сообщал ей особую эмоциональную приподнятость. После выставки 1873 года, на которой это произведение было показано, о Куинджи заговорили в прессе, отмечая его самобытный и большой талант.

«Впрочем, каждый может думать по-своему. Иначе искусство не росло бы.»
Куинджи А.И.

Однако Куинджи совершил внезапный поворот. Этому несомненно способствовали его поездки в Западную Европу и знакомство с последними достижениями живописи.

«Одни способны написать даже грязь на дороге, но разве в том реализм?»
Куинджи А.И.

В 1876 г. он показал картину «Украинская ночь», в которой сумел передать чувственное восприятие южной летней ночи, с невиданной для своего времени смелостью обобщая цвет и упрощая форму.

С огромной поэтической силой открылась удивительная красота украинской ночи. На берегу небольшой речушки примостились озаренные лунным сиянием украинские хатки. Ввысь устремились тополя. Тишина, спокойствие разлиты в природе. На синем, словно из бархата, небе мерцают яркие звезды. Для того, чтобы так естественно и выразительно передать лунное сияние, мерцание звезд, художнику понадобилось решать сложнейшие живописные задачи. В картине все построено на виртуозной разработке тональных отношений, на богатстве цветовых сочетаний. В 1878 году «Украинская ночь» была показана на Всемирной выставке в Париже. «Куинджи, — писала французская критика, — бесспорно самый интересный между молодыми русскими живописцами. Оригинальная национальность чувствуется у него еще более, чем у других».
Картина стала сенсационным событием художественной жизни, а за нею последовали другие, не уступавшие ей в вызывающей декоративности: «Березовая роща» (1879),

«Лунная ночь на Днепре» (1880), «Днепр утром» (1881) и др.

Но наибольший успех на выставке выпал на долю картины «Березовая роща».

Толпы людей часами простаивали у этого полотна. Казалось, будто само солнце проникло в помещение выставочного зала, освещая зеленую поляну, играя на белых стволах берез, на ветвях могучих деревьев. Работая над картиной, Куинджи искал прежде всего наиболее выразительную композицию. От эскиза к эскизу уточнялись расположение деревьев, размеры поляны. В окончательном варианте нет ничего случайного, «списанного» с натуры. Передний план погружен в тень — так подчеркивается звучность, насыщенность солнцем зеленой поляны. Художник сумел, избежав театральности, создать декоративную картину в лучшем понимании этого слова. Куинджи с огромным вдохновением воспевает в ней красоту и поэзию природы, ослепительную яркость солнечных лучей, несущих радость людям.
В 1880 году в Петербурге на Большой Морской была открыта необычайная выставка: демонстрировалась одна картина — «Лунная ночь на Днепре». Она стала настоящей сенсацией. Беспрецедентную выставку одной картины, устроенную в Обществе поощрения художеств, сопровождал невиданный ажиотаж.

Она вызвала бурю восторгов. У входа на выставку стояла огромная очередь.
В то время, когда в России даже персональные выставки еще казались в диковинку, шаг этот был сопряжен с громадным риском, но успех выставки, собиравшей толпы зрителей, превзошел все ожидания. Отныне даже недоброжелателям стало ясно, что как бы наивно ни было рисование Куинджи, как колористу ему нет равных. Он сделался знаменит в Европе и укрепился в звании главного русского пейзажиста.

Архип Куинджи был гениальным промоутером. Его картины «продвигались на рынок» в полном соответствии с законами маркетинга и рекламы, в те годы еще не сформулированными.
Написав свою знаменитую «Лунную ночь на Днепре», Куинджи показывал ее публике в своей мастерской — всего по два часа в день. Однажды в мастерскую зашел «молоденький офицер», желавший купить картину, о которой от кого-то слышал. «Ведь вы все равно не купите — она дорогая», — улыбнулся Куинджи, и назначил цену «тысяч в пять». «Молоденький офицер» оказался великим князем Константином Константиновичем, картину он, разумеется, купил. Эта история тотчас попала в газеты, и ажиотаж поднялся еще до открытия выставки в Обществе поощрения художеств. Куинджи первым устроил «выставку одной картины». Он впервые использовал искусственное освещение. Пресса неистовствовала, публика валила валом.
Впрочем, Куинджи не подозревал о том, что он гениальный промоутер. Великого князя он попросту не узнал, лампы использовал, так как боялся, что при солнечном свете здание из красного кирпича напротив даст «не тот рефлекс». Это был прямой и бесхитростный человек. Деньги и слава его не слишком интересовали.

На следующий, 1881 год Куинджи точно так же показал новый вариант «Березовой рощи», а через год — еще три картины. Мастерство Куинджи в передаче лунного света — результат огромной работы художника, длительных поисков. Его мастерская была лабораторией исследователя. Он много экспериментировал, изучал законы действия дополнительных цветов, отыскивая верный тон, сверял его с цветовыми отношениями в самой природе. Упорным, настойчивым трудом достигал Куинджи виртуозного владения цветом, той композиционной простоты, которые отличают его лучшие работы.

Что бы ни изображал Куинджи, главным в его картинах был свет, из которого создано мироздание.

У гениальности Куинджи было научное объяснение. Многие художники теряли покой, пытаясь повторить его палитру, достичь той достоверности, с которой Куинджи рисовал тени и свет. Говоря о картине «Украинская ночь», Крамской писал в письме Репину: «Я — совершенный дурак перед этой картиной. Я вижу, что самый свет на белой избе так верен, так верен, что моему глазу так же утомительно смотреть на него, как на живую действительность: через пять минут у меня глазу больно, я отворачиваюсь, закрываю глаза и не хочу больше смотреть».

Между тем, секрет «куинджевских красок» был проще, чем казался. Однажды Куинджи (преподававший в то время в Академии художеств) пригласил в класс своего приятеля — Дмитрия Менделеева. И тот принес прибор, позволяющий оценить чувствительность глаза к цветовым оттенкам. Куинджи сильно опередил по этому показателю своих молодых студентов. Он видел иначе. Не в плане творческой позиции, а в самом буквальном физиологическом смысле.
В 1881 году художник создал картину «Днепр утром».

В ней нет игры света, яркой декоративности, она привлекает спокойной величавостью, внутренней мощью, могучей силой природы. Удивительно тонкое сочетание чистых золотисто-розовых, сиреневых, серебристых и зеленовато-серых тонов позволяет передать очарование цветущих трав, бесконечных далей, раннего степного утра. «Днепр утром» – была спокойной и простой и уже не вызывала тех восторгов, что «Ночь». Эта относительная неудача укрепила его в мысли, что участвовать в бегах за славой и восторгами публики противно природе художника.
И он замолчал.
На тридцать лет. Больше не было никаких выставок, даже друзьям после этого много лет не показывал новых работ. Его многочисленные почитатели, потеряв терпение, стали говорить, что он полностью исписался, выдохся как художник.
Но они ошибались. Ни дарование, ни желание творить никуда не исчезли. Куинджи успел создать ещё около пятисот живописных и трёхсот графических работ, которые оценили после его смерти в полмиллиона рублей. Хватило бы на десяток-другой популярных художников. Но на долгие годы его единственными зрителями стали Господь и жена Вера. Друзья не понимали причин, волновались. Куинджи же сам объяснял так: «…Художнику надо выступать на выставках, пока у него, как у певца, голос есть. А как только голос спадет надо уходить, не показываться, чтобы не осмеяли. Вот я стал Архипом Ивановичем, всем известным, ну это хорошо, а потом увидел, что больше так не сумею сделать, что голос как будто стал спадать. Ну вот и скажут: был Куинджи, и не стало Куинджи! Так вот я же не хочу так, а чтобы навсегда остался один Куинджи».

Став состоятельным человеком (заработки его были очень высоки), он мог теперь работать так, как ему хотелось, — не спеша и вволю экспериментируя. Среди исполненных работ были не только пейзажи, продолжавшие начатое ранее, такие как «Вечер на Украине» (1878-1901)

и другие, но и совершенно необычные крохотные картинки, в которых он остро, с удивительным лаконизмом передавал свои впечатления от природы («Лунные пятна на снегу», «Цветник» и пр.).

По сравнению с десятилетием активного участия на выставках, за остальные тридцать лет Куинджи сделал сравнительно немного. По воспоминаниям друзей художника, в начале 1900-х годов Куинджи пригласил их к себе в мастерскую и показал картины «Вечер на Украине», «Христос в Гефсиманском саду», «Днепр» и «Березовая роща», которыми они были восхищены. Но Куинджи был недоволен этими работами и на выставку их не представил.
«Ночное» — одно из последних произведений заставляет вспомнить лучшие картины Куинджи времени расцвета его таланта.

В нем также чувствуется поэтическое отношение к природе, стремление воспеть ее величавую и торжественную красоту.
Куинджи не стал затворником. В 1894 г. он охотно принял предложение быть профессором пейзажной мастерской в Академии художеств, только что радикально реформированной. За дело он взялся увлеченно, преподавал по хорошо продуманной системе и успел воспитать прекрасных мастеров: А.А.Рылова, К.Ф.Богаевского, Н.К.Рериха. К сожалению, его преподавание длилось недолго: уже в 1897 году он был отстранен от службы за то, что общался с участниками студенческих волнений. Но со своими учениками он продолжал заниматься частным образом, а на следующий год устроил им на собственные средства поездку в Западную Европу. Немного позже он пожертвовал Академии художеств капитал, проценты с которого шли ежегодно на выплату премий молодым художникам. Последним его добрым делом было основание в 1909 году Общества имени Куинджи — независимого объединения художников, которому он пожертвовал 150 000 рублей и 225 десятин земли в Крыму, да еще завещал все свои картины и деньги. Общество просуществовало до 1930 году, а Куинджи умер несколько месяцев спустя после его открытия.

«Иллюзия света была его богом, и не было художника, равного ему в достижении этого чуда живописи. Куинджи — художник света.»
Репин И.Е.

«Куинджи был не только великим художником, но также великим Учителем жизни.»
Рерих Н.К.

Фото: Энциклопедия русских художников.

С ПРАЗДНИКОМ ПАСХИ!!!

На Тивериадском (Генисаретском) озере. 1889
Позднее повторение одноименной картины
Холст, масло. 91 x 137 см
Курская государственная картинная галерея им. А.А. Дейнеки

Мечты. 1894
Холст, масло. 180 x 165 см
Саратовский государственный художественный музей им. А.Н. Радищева
«Мне кажется, что искусство должно давать счастье и радость, иначе оно ничего не стоит» — можно считать, что в этих словах из письма В. Васнецову заключен творческий принцип мастера, который Василий Дмитриевич Поленов пронес через всю жизнь.

Христос и грешница (Кто без греха?). 1888
Холст, масло. 325 x 611 см
Государственный Русский музей, С.-Петербург
«В жизни так много горя, так много пошлости и грязи, что если искусство тебя будет сплошь обдавать ужасами да злодействами, то уже жить станет слишком тяжело», — писал художник в том же письме.
Серию «Из жизни Христа» Поленов считал «главным трудом своей жизни».

Был в пустыне. 1909
Из цикла картин «Из жизни Христа»
Холст на картоне, масло. 50 x 70 см
Вятский художественный музей им. В.М. и А.М. Васнецовых, Киров

Палестина. Нагорная проповедь. 1890-1909
Из цикла картин «Из жизни Христа»
Холст на картоне, масло. 69 x 87 см
Челябинский государственный музей изобразительных искусств

Марфа приняла Его в дом свой. 1890-1900-е
Из цикла картин «Из жизни Христа»
Холст на картоне, масло. 43 x 30 см
Государственный Русский музей, С.-Петербург
Выполняя это предназначение искусства — «давать счастье и радость людям», Поленов создавал в картинах цикла «Из жизни Христа» повествование о «патриархальном золотом веке» Галилеи в дни Иисуса Христа. Это повествование должно было, по мысли художника, пробуждать в людях стремление к возвышенной и чистой жизни, способствовать воспитанию в них гуманности и чувства красоты.

За кого Меня почитают люди. 1890-1900-е
Картина из серии «Из жизни Христа»
Холст на картоне, масло. 45 x 72 см
Вологодская областная картинная галерея

Иоанн и Иаков. 1900-е
Эскиз картины из серии «Из жизни Христа»
Бумага на картоне, акварель. 21 x 27 см

Христос и грешница. 1888
Уменьшенное повторение одноименной картины, хранящейся в ГРМ.
Холст, масло. 150 x 266 см
Иркутский областной художественный музей им. В.П.Сукачева
Серию его полотен дерзновенно называют «Евангелием от Поленова», но на самом деле он открывал миру того самого Христа, которого мы знаем благодаря Священной Истории. Однако делал он это языком живописи.

Привели детей. 1890-1900-е
Из цикла картин «Из жизни Христа»
Холст на картоне, масло. 17 x 29 см
Государственная Третьяковская галерея, Москва

Привели детей. 1890-1900-е
Из цикла картин «Из жизни Христа»
Холст, масло. 32 x 56 см
Самарский областной художественный музей

И был там. 1890-1900-е
Из цикла картин «Из жизни Христа»
Холст, масло. 26 x 31 см
Государственный Русский музей, С.-Петербург
Поленов исследовал весь земной путь Христа – посетил Святую Землю, Сирию, Палестину, Египет. Он делал этюды, снимал фотографии, собирал костюмы.
Василий Поленов написал множество прекрасных полотен, которые сделали его знаменитым на весь мир. Однако главной работой всей жизни Поленова стал цикл картин «Из жизни Христа». Приступая к работе над картиной «Иисус и грешница», Василий Дмитриевич понял, что Иисус Христос – это настолько великая фигура, столь сильная личность, что писать картину о нем нужно непременно после знакомства с тем миром, в котором Он проводил свою земную жизнь.

И возвратился в Галилею в силе духа. 1890-1900-е
Из цикла картин «Из жизни Христа»
Холст, масло. 131 x 75 см
Государственный Русский музей, С.-Петербург

Иаков и Иоанн. 1890-1900-е
Из цикла картин «Из жизни Христа»
Холст на картоне, масло. 54 x 28 см
Государственный Русский музей, С.-Петербург

Мечты (На горе). 1890-1900-е
Из цикла картин «Из жизни Христа»
Холст, масло. 151 x 142 см
Государственный Русский музей, С.-Петербург

За кого меня почитают люди. 1890-1900-е
Эскиз картины из серии «Из жизни Христа»
Картон, масло. 35 x 21 см
Вологодская областная картинная галерея

Исполнялся премудрости. 1890-1900-е
Из цикла картин «Из жизни Христа». Вариант-повторение
Холст на картоне, масло. 25 x 31 см
Государственная Третьяковская галерея, Москва

На Тивериадском (Генисаретском) озере. 1888
Холст, масло. 79 x 158 см
Государственная Третьяковская галерея, Москва

Пределы Тирские. 1911
Из цикла картин «Из жизни Христа»
Холст на картоне, масло. 42 x 80 см
Государственный мемориальный историко-художественный и природный музей-заповедник В.Д.Поленова, Тульская обл.

Среди учителей. 1896
Холст, масло. 150 x 272 см
Государственная Третьяковская галерея, Москва

Источник девы Марии в Назарете. 1882
Холст, масло. 22 x 32 см
Государственная Третьяковская галерея, Москва
Наталья Громолина: «Когда он решал сделать какую-то работу, он соотносился в этих сводах Евангелия, все четыре лежали перед ним, с определенной строкой, он как бы входил в то состояние, в котором был как художник там в этих местах, и писал свою работу».
«На горе», «Тайная вечеря», «Стерегли», «Предал дух», – все эти работы, – это своеобразное «Евангелие от Поленова».

Пошла в Нагорную страну. 1894
Из цикла картин «Из жизни Христа»
Холст на картоне, масло. 110 x 70 см
Омский областной музей изобразительных искусств им. М.А.Врубеля

Решили идти в Иерусалим. 1899-1909
Из цикла картин «Из жизни Христа»
Холст, масло. 83 x 106 см
Самарский областной художественный музей

Тайная вечеря
Холст, масло. 37 x 54 см
Тюменский областной музей изобразительных искусств
Наталья Громолина: «Он рассказывает о жизни Христа, но только живописью. Он говорит об этом, о гармонии человека и природы, о желании человека познать самого себя. О желании объяснить всем другим, как надо жить, что надо в этой жизни делать для того, чтобы жизнь была прекрасна».
К тысяча девятьсот двенадцатому году Василий Дмитриевич Поленов полностью завершил работу над циклом «Из жизни Христа».
Всего было создано 62 работы.

Возвестила радость плачущим. 1899-1909
Из цикла картин «Из жизни Христа»
Холст, масло. 80 x 141 см
Самарский областной художественный музей
Ими сразу же заинтересовалась общественность. Картины были восприняты как новое слово в живописи. Поленову поступало множество предложений о показе работ, как в России, так и за рубежом. В итоге одна из самых первых выставок Евангельского цикла прошла в Праге. Показ имел колоссальный успех. Многие работы сразу же нашли своих покупателей и таким образом разлетелись по всему миру.
Однако в канун пражской выставки в 1912 году был выпущен специальный альбом, в котором опубликовали все репродукции цикла.
Вошли на Голгофу
Поленов В.Д.

И.Глазунов, «Вера», 1980 год, Фото: ru-static.z-dn.net

Название Вера
Страна, художник Россия, Илья Сергеевич Глазунов
Год 1980
Жанр портрет
Находится Московская государственная картинная галерея народного художника СССР Ильи Глазунова
Материалы холст, масло

Картину “Вера” написал советский художник Илья Глазунов в 1980 году.

Вся боль о несовершенстве мира – в глазах ребенка

Одно из полотен фундаментальной живописи знакомит зрителя с дочерью художника, Верой.

С холста задумчиво смотрит печальная красивая девочка. О чем она думает? Взгляд ее внимательных зеленых глаз, кажется, устремляется прямо в душу зрителя.

Вера сидит в спокойной позе, даже прическа ее неподвижна, ни единый волосок не выбивается.

Художник писал ее несколько раз, но этот портрет, пожалуй, самый выразительный. Девочка одета в нарядное бархатное синее платье с белыми и черными рюшами, ее рыжие волосы выделяются на темном фоне. Общий колорит картины выдержан, скорее, в темных тонах, это особенно заметно из-за необычного – черного цвета фона. Но темный колер помогает выделить лицо девочки.

Из-под медной челки на зрителя устремлен испытующий взгляд широко расставленных глаз; в лице чувствуется легкая асимметрия. Она придает дополнительную живость лицу девочки.

Четко очерченный рот слегка сжат, будто героиня недовольна тем, что ее заставили позировать.

Вообще черты выписаны необычайно тщательно: очевидно, художник придает наибольшее значение именно лицу.

Чертам лица Веры свойственна определенность, нехарактерная детям, отсутствует мягкость, расплывчатость черт. Линия скул, подбородка, четкая лепка носа — все это скорее присуще взрослым. Чувствуется, что девочка вырастет настоящей красавицей — более поздние портреты говорят, что это оказалось правдой.

Манере Ильи Глазунова свойственно изображение некоего поиска в глазах персонажей его картин. Кажется, что девочка на портрете созерцает несовершенный мир и грустит об этом. Талант живописца проявился в том, что, изобразив непоседливого ребенка, он сумел передать свою боль от переживаний за судьбы мира.

Сейчас Вера Глазунова — успешная художница, с гордостью продолжает дело своего прославленного отца. Ее портрет вместе с другими работами хранится в галерее народного художника СССР Ильи Глазунова, в Москве.

Васи́лий Дми́триевич Поле́нов (20 мая 1844, Санкт-Петербург — 18 июля 1927, усадьба Борок, Тульская область) — русский художник, мастер исторической, пейзажной и жанровой живописи, педагог. Народный художник Республики (1926).
Василий Поленов родился в многодетной, культурной дворянской семье 20 мая (1 июня) 1844 года в Петербурге.
Его отец, Дмитрий Васильевич Поленов, был известным археологом и библиографом. Мать, Мария Алексеевна, урождённая Воейкова, писала книги для детей, занималась живописью. Дядя художника, М. В. Поленов (1823—1882), был сенатором.
Ярким детским впечатлением Поленова были поездки на север, в Олонецкий край с его девственной природой, и в Ольшанку Тамбовской губернии, в имение бабушки В. Н. Воейковой. Вера Николаевна, дочь известного архитектора Николая Львова, воспитанная после ранней смерти родителей в доме Гаврилы Державина, хорошо ориентировалась в русской истории, знала народную поэзию, любила рассказывать внукам русские народные сказки, былины, предания. В этой атмосфере сформировался художественный вкус Поленова. Воейкова всячески развивала увлечение внуков живописью, поощряла творческое честолюбие, устраивала среди детей конкурсы, присуждая, как в академиях, за лучшую работу «медаль».
Наиболее одарёнными среди детей Поленовых оказались двое: старший сын Василий и младшая дочь Елена, ставшие впоследствии настоящими художниками. Детям были наняты педагоги по живописи из Академии художеств. Встреча с П. П. Чистяковым стала судьбоносной для таланта Поленова. Чистяков обучал рисунку и основам живописи Поленова и его сестру в 1856—1861 годах, сам, будучи ещё студентом Академии художеств. С самых первых занятий преподаватель требовал от учеников пристального изучения натуры.
В 1861—1863 годах Поленов учился в Олонецкой губернской мужской гимназии в Петрозаводске. В память об этом на здании установлена мемориальная доска.
В 1863 году, окончив гимназию, поступил, вместе с братом Алексеем, на физико-математический факультет Петербургского университета. По вечерам Поленов в качестве вольноприходящего ученика посещал Академию Художеств; занимался не только в рисовальных классах: ещё слушал лекции по анатомии, строительному искусству, начертательной геометрии, истории изящных искусств. Поленов был постоянным посетителем оперного театра и концертов, увлекался музыкой Вагнера, сам пел в студенческом хоре Академии, сочинял музыкальные произведения.
Вскоре Поленов стал постоянным учеником натурного класса Академии художеств. Затем временно оставил университет, полностью погрузившись в занятия живописью. В 1867 году окончил ученический курс в Академии художеств, получив серебряные медали за рисунки и этюд. Вслед за этим участвовал в двух конкурсах на золотые медали по избранному им классу исторической живописи. С января 1868 года возобновил занятия в университете, теперь — на юридическом факультете.
Первую зарубежную поездку Поленов совершил летом 1867 года, посетив Всемирную парижскую выставку. В экспозиции был большой раздел с произведениями народных художественных промыслов различных стран. Незабываемые впечатления от увиденного легли в основу диссертации, которую Поленов защитил в университете.
В 1869 году за картину «Иов и его друзья» Поленов получил малую золотую медаль, а в 1871 году (одновременно с Ильёй Репиным) за конкурсную работу «Христос воскрешает дочь Иаира» — большую золотую медаль.
Окончив одновременно университетский курс по юридическому факультету в 1872 году, Поленов отправился за границу в качестве пенсионера академии. Посетил Вену, Мюнхен, Венецию, Флоренцию и Неаполь, длительное время жил в Париже и написал там в числе прочего картину «Арест графини д’Этремон», обеспечившую ему в 1876 году звание академика.
Летом 1874 года работает в Нормандии (курортное местечко Вёль), куда его пригласил И. Е. Репин, находившийся там также в качестве пенсионера академии. Здесь Поленов открывает новые для себя задачи пейзажной живописи («Нормандский берег», «Рыбацкая лодка. Этрета. Нормандия»).
Возвратившись в 1876 году в Россию, вскоре отправился на русско-турецкую войну, в продолжение которой состоял официальным художником при главной квартире наследника-цесаревича (впоследствии императора Александра III).

Это часть статьи Википедии, используемая под лицензией CC-BY-SA. Полный текст статьи здесь →

ещё …